Breve história do design gráfico: de Gutenberg ao ecrã

O design gráfico, como profissão, é jovem, o termo só foi cunhado no século XX. Mas a atividade de comunicar visualmente é tão antiga como a humanidade: das pinturas rupestres aos hieróglifos, o ser humano sempre organizou imagens e símbolos para passar mensagens. A história que aqui contamos é a de como essa atividade milenar se transformou numa disciplina consciente, com mestres, escolas e revoluções estéticas.

É uma viagem da oficina de chumbo ao ecrã, e ajuda a perceber por que motivo as coisas que vemos hoje têm o aspeto que têm.

A semente: a imprensa de Gutenberg

Tudo acelera com Gutenberg, por volta de 1450. A impressão de tipos móveis multiplicou a palavra escrita e criou, pela primeira vez, a necessidade de organizar visualmente a página impressa em série: margens, colunas, tipos, espaços. Os primeiros impressores eram também os primeiros “designers”, a tomar decisões de composição. Pouco depois, Aldus Manutius inventava o livro de bolso e o itálico, design ao serviço da função.

Durante séculos, a comunicação visual viveu dentro das tipografias, governada pela tradição. Faltava o motor que a faria explodir: a indústria.

O século XIX: a litografia e o cartaz

A Revolução Industrial mudou tudo. Cidades cheias de gente, fábricas a produzir bens em massa, lojas e espetáculos a competir por atenção, nasceu a necessidade de anunciar. E surgiu a tecnologia certa: a litografia, e depois a cromolitografia (litografia a cores), que permitia imprimir cartazes grandes e coloridos.

O cartaz tornou-se a primeira grande forma de design gráfico de massas. Em Paris, no fim do século, Jules Chéret encheu as ruas de cartazes vibrantes, e Henri de Toulouse-Lautrec elevou o cartaz a arte com as suas imagens do Moulin Rouge. Comunicar visualmente passou a ser um trabalho com procura, e com estrelas.

Arts and Crafts e Art Nouveau: a reação à máquina

Nem todos celebraram a industrialização. Em Inglaterra, William Morris e o movimento Arts and Crafts (final do séc. XIX) reagiram à produção em massa de má qualidade, defendendo o artesanato, o cuidado com o belo livro e a dignidade do ofício. Morris fundou a Kelmscott Press e fez livros sumptuosos, uma defesa de que o objeto impresso podia (e devia) ser belo e bem feito.

Em paralelo, o Art Nouveau (c. 1890-1910) espalhou pela Europa as suas linhas orgânicas, sinuosas, inspiradas na natureza, em cartazes, tipografia e ornamento. Foi o primeiro estilo internacional da comunicação visual moderna.

A grande revolução: o modernismo (1910-1930)

Aqui dá-se o salto que define o design como o conhecemos. Um conjunto de movimentos de vanguarda, ligados à arte moderna e às convulsões da Europa, reinventou a comunicação visual:

• Futurismo (Itália) e Construtivismo (Rússia): tipografia dinâmica, diagonais, fotomontagem, a página como campo de energia e propaganda. El Lissitzky e Rodchenko trataram o texto como imagem.
• De Stijl (Holanda): geometria pura, linhas retas, cores primárias, ordem absoluta.
• Bauhaus (Alemanha, 1919-1933): a escola mais influente da história do design. Fundida arte, artesanato e indústria, defendeu que a forma segue a função, a geometria, a tipografia sem serifas, o uso da fotografia e da grelha. Nomes como Herbert Bayer e László Moholy-Nagy lançaram as bases do design moderno. Quando os nazis a fecharam, os seus mestres emigraram, sobretudo para os EUA, e espalharam o modernismo pelo mundo.

A Escola Suíça: a ordem da grelha (1950s)

Depois da Segunda Guerra, a Suíça destilou o modernismo na sua forma mais pura: o Estilo Tipográfico Internacional, também dito Escola Suíça. As suas marcas: a grelha (grid) rigorosa, a tipografia sans-serif (nasce a Helvetica em 1957), o alinhamento à esquerda, a fotografia objetiva, a ausência de ornamento. Josef Müller-Brockmann foi o seu grande teórico.

O objetivo era a comunicação universal, clara e neutra, o design como informação, não como expressão pessoal. Este estilo tornou-se a língua franca da identidade corporativa, da sinalética e do design de informação. Quando vês um aeroporto, um relatório ou um sistema de sinais bem organizado, estás a ver netos da Escola Suíça.

Os mestres americanos (mid-century)

Nos EUA, o modernismo europeu encontrou a pujança da publicidade e das grandes marcas, e deu uma geração de estrelas:

• Paul Rand: trouxe o modernismo para o coração das empresas, desenhando logótipos icónicos (IBM, ABC, UPS, Westinghouse) e provando que o design podia ser estratégia de marca.
• Saul Bass: revolucionou os genéricos de cinema e os cartazes (Hitchcock, Preminger) e desenhou logótipos que duraram décadas.
• Massimo Vignelli (italiano nos EUA): modernista radical, criou o icónico mapa do metro de Nova Iorque e identidades de rigor absoluto.

O design tornou-se, em definitivo, uma profissão de prestígio e um motor do negócio.

A rutura: pós-modernismo e o digital

Tanta ordem acabaria por gerar revolta. A partir dos anos 1970-80, o pós-modernismo quebrou as regras: Wolfgang Weingart (a “Nova Onda” suíça) começou a desafiar a grelha; e, nos anos 1990, David Carson (na revista Ray Gun) levou a desconstrução ao extremo, tipografia ilegível de propósito, caos expressivo, “regras feitas para quebrar”. Era a expressão a contra-atacar a neutralidade.

E então chegou a revolução digital. O Macintosh (1984) e o software de edição puseram as ferramentas de design nas mãos de qualquer um, democratizando a profissão e, ao mesmo tempo, inundando o mundo de design (bom e mau). O design passou do papel para o ecrã, a web e as interfaces, e nasceram disciplinas novas: design de interação, de experiência, de movimento.

Hoje: tudo ao mesmo tempo

O design contemporâneo já não tem um estilo dominante, convivem o minimalismo “flat”, o regresso de ornamentos e de estilos retro, o brutalismo digital, o maximalismo. A história não foi substituída: foi acumulada. Um designer de hoje pega no rigor suíço, na energia construtivista, na clareza do Bauhaus ou no caos de Carson conforme a mensagem pede.

E, apesar de todo o digital, o objeto impresso continua vivo e desejado, o livro, o cartaz, a embalagem, o rótulo. O design e as artes gráficas seguem de mãos dadas, como há 500 anos.

Confusões comuns

“O design gráfico nasceu com os computadores.” Nasceu muito antes, com a imprensa, os cartazes da litografia e as vanguardas do início do séc. XX. O computador (anos 1980) transformou a profissão, não a inventou.

“O Bauhaus era um estilo.” Era uma escola (1919-1933) e uma filosofia (forma segue função, integrar arte e indústria). Gerou uma estética, mas foi sobretudo uma forma de pensar o design que influenciou tudo o que veio depois.

“Estilo suíço é antiquado.” É a base de boa parte do design de informação, sinalética e identidade atuais. A grelha e a clareza suíças nunca saíram de moda, são a espinha dorsal do “profissional e limpo”.

“Hoje vale tudo, já não há regras.” Há mais liberdade, mas as regras (hierarquia, contraste, legibilidade) continuam a funcionar. Quem as quebra com mestria, como Carson, conhece-as primeiro. Quebrar regras por ignorância não é estilo, é acaso.

Em resumo

A história do design gráfico é a de uma atividade milenar, comunicar com imagens, que se tornou profissão consciente no século XX. Da imprensa de Gutenberg ao cartaz da litografia, das vanguardas modernistas e do Bauhaus à Escola Suíça, dos mestres americanos ao caos digital de Carson e à explosão do ecrã, cada época deixou ferramentas e ideias que ainda usamos.

Conhecer esta linha do tempo não é erudição vã: é perceber porque é que as coisas têm o aspeto que têm, e ganhar um vocabulário de estilos para criar com intenção, em vez de copiar sem saber. Quem conhece a história do design tem, à mão, cem anos de soluções.